Нет истины важнее, чем нести свет в мир, погружённый во мраке невежества. Размышляя о принадлежности фотографии к виду искусства, вспомнилось недавнее утверждение, мол: "Живопись мертва!". Ко всему прочему высказывание прозвучало от человека, имеющего к этому вопросу непосредственное отношение. Так что же получается... Мы пришли к тупику? Это от нехватки гения в рядах сеятелей искусства?

Кто за это будет нести ответственность? И кому суждено быть нашим "пророком" художественной истины, медленно утопающей в липкой смоле посредственности?

«Надо пользоваться фотоаппаратом как кистью,

посредством которой передавать зрителю замысел,

настроение, вкус в выборе натуры, освещении»

Сергей Александрович Лобовиков (1870−1941)

Сергей Лобовиков родился в семье сельского дьячка в селе Белое Глазовского уезда Вятской губернии. Серьезного образования ему получить не удалось: несколько лет Сергей Александрович провёл в сельской школе, затем поступил в духовное училище. После смерти родителей 13-летний Сергей был отправлен в Вятку, отдан «за харчи и жильё» учеником владельцу фотоателье, первому своему фотонаставнику купцу Петру Тихонову. Важно отметить, что сам хозяин был не простым рядовым фотографом — по его негативам издавались открытки с видами города, снимал он и вятских ремесленников (эти работы также вышли в свет в виде открыток). Лобовиков провел у Тихонова в помощниках долгих 5 лет. Через много лет Петр Григорьевич скажет о своём бывшем ученике: «Он потому так выбился на дорогу, что у него воля недюжинной силы».

Лобовиков работал и учился, много читал – книги по истории, философии, анатомии, психологии, истории и теории искусства. Ездил по российским городам, за границу (1900 – 1903), бывал на фотовыставках, впитывал фотонауку у великих мастеров. К примеру, в Германии ему понравилась техника фотопечати, умение посадить модель; дать нужное освещение заимствовал у парижских специалистов.

Наблюдательный фотограф, однако, признавал: «Из профессиональной фотографии я ничего не вынес – всюду заглаженные лица, иногда до потери настоящих форм. Они меня больше раздражали: это не искусство, это ремесло, лубочность, что ли, как угодно называйте защищённое ретушью лицо». – Лобовиков совершенствовался, искал свой путь в искусстве, свои темы, технику съёмки и печати, средства художественной выразительности.

Разработанные специальные способы печати: пигментная, гуммиарабиковая, масляная и некоторые их разновидности позволяли Сергею Александровичу существенно менять рисунок, варьировать контрастом, стилизовать изображение «под живопись» и «под гравюру».

В 1900 г. работы Лобовикова начинают методично завоевывать признание на всероссийском и европейском уровнях. Мастер отправляет свои снимки на самые разные выставки. Признание не заставило себя долго ждать. Не единожды Сергей Александрович добивался побед, принимая участие в международных выставках проходивших в Москве и Санкт-Петербурге, Ницце и Киеве, Будапеште, Дрездене и Гамбурге.

Значительную часть наследия Лобовикова составили стереонегативы – известно более 500 экземпляров. Они выполнены вераскопом – самым совершенным в то время специальным аппаратом для стереосъёмки. Малый размер аппарата позволял фотографу незаметно работать в толпе, на рынке или митинге. Поэтому стереоскопические жанровые снимки имеют такой непосредственный и правдивый характер.

«Учитесь всему, чему позволяет время, средства, способности, не тратьте жизнь впустую!»

С.А. Лобовиков

«Свет благословляет все,

он трансформирует и облагораживает

самые обычные и привычные предметы»

Leonard Misonne

Леонард Мизон (1870-1943), бельгийский фотограф-пикториалист. Пейзажи и уличные сцены этого фотографа относятся к наиболее выразительным пикториальным фотографиям в этих жанрах. Иногда Мизона, широко использовавшего контровый свет и его эффекты при съемке, называют фотографом света и атмосферы. С 1897 года, как участник Бельгийской Фотографической Ассоциации, Мизон начинает представлять свои работы публично. Однако, Мизон избегал общества других пикториалистов, иногда общаясь только с Константом Пийо и Пьером Дюбрейлем. Мизон разрабатывал различные техники печати и съемки, одним из его изобретений был смягчающий изображение экран «Flou-Net», который устанавливался во время съемки перед камерой. Фотографии зрелого периода творчества Леонарда Мизона очень живописны, выполнены в духе импрессионизма, благодаря использованию фотографом различных техник фотопечати: масляной, бихроматной и, изобретенному им, медиобромному процессу. Статьи Мизона, в которых он описывал применяемы им техники и процессы печати, публиковались в таких изданиях, как American Annual of Photography, American Photography, Camera, Photo-Art Monthly. Его фотографии публиковались в журнале CameraNotes, главным редактором которого был Альфред Стиглиц. К сожалению, часть архивов Мизона была утрачена в ходе немецкой оккупации Бельгии в годы второй мировой войны.

Робер Демаши (1859 - 1936) -французский фотограф-пикториалист.

Наиболее известен своими сильно обработанными отпечатками, которые демонстрируют отличное живописное качество. Демаши находился под сильным влиянием художников-импрессионистов и большую часть своего времени занимался фотографированием и разработкой своих теорий по фотографии, как технической, так и эстетической.

Демаши одним из первых стал использовать при изготовлении отпечатков процесс гумбихромата и вскоре он разработал свой стиль связанный с манипуляцией с изображением как во время работы с негативом так и во время печати фотографии. Он много писал статей на эту тему, популяризуя этот процесс среди фотографов. В этом же году Демаши вместе с Пуйо, Ле Беге и Бюке организует первый в Париже Салон Фотографии основанный на принципах пикторализма и в 1895 году проходит первая выставка работ Демаши сделанных по методу гумбихромата.

К началу двадцатого века Демаши был, пожалуй, самым выдающимся фотохудожником Франции. В 1905 году вступил в фотографическое общество Linked Ring и заслужил признание лондонского Королевского фотографического общества. Робер Демаши публиковал свои работы в журнале Альфреда Стиглица Camera Work. Его выставки проходили в Париже, Вене, Нью-Йорке, Лондоне.

В течении первого десятилетия 20-го века Демаши написал более тысячи статей и несколько книг посвященных фотографии. С 1901 по 1911 год прошло пять его персональных выставок, что было беспрецедентно для своего времени. В 1905 году он был избран членом Королевского Фотографического Общества. В 1906 году он отказывается от процесса гумбихромата в пользу бромойля и вскоре он усовершенствовал этот процесс. Это позволило ему ещё смелее экспериментировать с его визуальным стилем.

Генрих Кюн (Heinrich Kuhn, 1866–1944) является ключевой фигурой пикториализма. Искусствоведы рассматривают его как одного из самых важных практиков в сфере художественной фотографии в Европе. Генрих Кюн был одним из тех ранних фотографов, которые на рубеже веков пытались утвердить фотографию как форму искусства.

Ранние пейзажи Кюна захватывают дух: яркие атмосферные снимки природы размывают границы между фотографией и живописью. Многие из них напоминают работы художников-импрессионистов, что на тот момент было беспрецедентным явлением. Данный «живописный» подход лег в основу нового течения в фотографии, названного пикториализмом (англ. pictorialism, от англ. pictorial — живописный).

Производители фотообъективов того времени стремились ко все большей резкости, что противоречило художественным принципам Кюна. Это побудило мастера самостоятельно исследовать возможности оптики. Кюн считал, что резкая фотография не может быть искусством. Со своим другом Францем Стибле, Генрих Кюн сконструировал объектив "Kuhn Anachromat", который производили с 1928 о 1990-е г под названием Rodenstock Imagon.

Он входил в узкий круг европейских фотографов, которые со всей страстью верили в эстетический потенциал фотографии. Основным стремлением мастера было создание фотографий, художественная ценность которых могла бы конкурировать с живописью. Тематика работ Кюна была ограничена контекстом его семейной жизни, но это не помешало фотографу стать влиятельным представителем своего времени, а его работам — вызывать восхищение и современного зрителя.

Эллиотт Эрвитт — известнейший мастер американской репортажной журналистики, в творчестве которого отразились все главные события мировой истории последних 50 лет. Всемирная слава пришла к Эрвитту благодаря его уникальному ироническому стилю.

Эллиот Эрвитт родился в Париже в семье эмигрантов из России. Когда Эллиоту было 10 лет, семья решила переехать жить в США. Здесь будущий мастер и начал изучать искусство фотографии.

«Фотографировать – это очень просто. Нет никакого великого секрета в фотографии... Фотошколы – пустая трата времени. Нужна практика, практическое приложение ваших знаний. Я убежден: если у вас что-то получается, единственная важная вещь – не прекращать работать. И не важно, получаете ли вы за это деньги»

«Объяснять изображение – всё равно, что объяснять шутку. Как только ты её объяснил, она тут же умирает»

«Однажды мы отправились с папой в музей, на выставку, кажется, Караваджо. Там нам встретился папин друг Игорь Битман. Взрослые принялись рассуждать об искусстве, а я стояла и слушала их краем уха. Среди прочего они комментировали и композиции окружающих нас картин, и кто-то из них отметил, что на живописную работу нужно смотреть со всех сторон, как бы поворачивая ее в разные стороны – именно тогда можно ощутить напряжение композиции. Услышав это, я отошла от полотна и принялась рассматривать его с разных углов. Меня озарило! Так и есть, что-то на самом деле начало происходить, взрослые говорят правду."

Из воспоминаний Александры Пинхасовой

«Фоторепортер — это свидетель, летописец. Он должен передавать реальность и стараться ее не искажать. Он конечно, свободен ее интерпретировать сообразно собственной личности, визуальной культуре, ощущению композиции, цвета, но все равно реальность превыше всего. И, пожалуйста, никакого фотошопа! Снимайте как видите, и не старайтесь угодить заказчику. Более того, как мне кажется, художник не должен ничему давать оценку. Это другая профессия.»

Г.Б.Пинхасов