Ярослав Рёсслер (1902-1990) был одним из чешских авангардных фотографов первой половины двадцатого века, чьи работы только недавно получили известность за пределами Восточной Европы. Чешская фотография в двадцатых и тридцатых годах была богата радикальными, модернистскими работами, основанными на принципах абстрактного искусства и конструктивизма.

Ярослав Рёсслер был одним из наиболее примечательных художников того времени. Он стал известен своим слиянием разных стилей, объединяющим элементы символизма, пикториализма, экспрессионизма, кубизма, футуризма, конструктивизма, объективизма и абстрактного искусства. Его фотографии часто сводили изображение к элементарным линиям и формам, которые, казалось, формировали новую реальность. Он фотографировал простые предметы на фоне черного и белого цвета, использовал длинные экспозиции для изображения туманных конусов и сфер света. С 1927 по 1935 год он жил и работал в Париже. Рёсслер использовал фотографические методы и композиционные подходы авангарда, в том числе фотограммы, большие детали, диагональный состав, фотомонтаж и двойные экспозиции, а также экспериментировал с цветными рекламными фотографиями и натюрмортами, напечатанными способом пигментной печати.

Некоторые из фотографий Ярослава Рёсслера включены в важные фотографические коллекции Музея декоративного искусства в Праге, Моравской галереи в Брно, Музея современного искусства в Нью-Йорке, Художественного института Чикаго, Музея Дж. П. Гетти в Лос-Анджелесе, Центра Помпиду в Париже и Музея Фолькванга в Эссене.

Яромир Функе (Jaromir Funke, 1896-1945) — одна из самых примечательных фигур в истории чешской фотографии первой половины XX века. В конце 1910-х годов, под влиянием своего знаменитого соотечественника Франтишека Дриткола, Функе бросает институт, и становится фотографом. Как и многие его современники, он начал с пикториализма, но уже в начале 1920-х отошел от него. В 1924 году за непримиримое отношение к пикториальной фотографии он был исключен из пражского фотоклуба. В том же году Функе, Судек и ряд других фотографов основали Чешское фотографическое общество.

Яромир Функе внимательно следил за авангардными течениями в мировой фотографии: на него оказали влияние ракурсы Александра Родченко, «новая предметность» Альберта Ренгер-Патча, эксперименты Ласло Мохой-Надя. Функе словом и делом откликался на все новости фотомира, пробовал свои силы в самых разных стилях от документальной фотографии до абстрактных натюрмортов. Занимался он и «фотографированием без фотоаппарата», хотя считал фотограмму определенным регрессом, своего рода кокетством с живописью — во всяком случае, так он писал, критикуя Ман Рея.

Функе в фотографии конструктор: и свет он воспринимает как строительный материал. Он применял принцип динамической диагонали для изображения статичных городских объектов, архитектуры или пейзажа так, как ни один другой фотограф: он умел вдохнуть жизнь, актуализировать объект, подать его в оригинальном виде. Диагональное композиционное решение, столь типичное для фотографий Функе, особенно хорошо видно на кадрах башен, труб, “чумных столбов”. Кадры эти сделаны наклоненным в сторону фотоаппаратом, чтобы объект разрезал формат по диагонали. Этот принцип композиции выглядит менее искусственно на пейзажных фотографиях (в высоту формата), перерезанных дорогами, аллеями, телеграфными проводами и мостами, где фотограф подчеркивает естественные диагонали линий - к ним он всегда испытывал наибольшую слабость. Элементы этих снимков объединены модерным, органическим для данного кадра замыслом, по которому динамически пульсируют и рвутся ввысь диагонали дорог, рельсов и заборов, вливая в фотографию новое мироощущение.

«Die Kunst in der Photographie» («Искусство в фотографии») - первый в мире фотографический журнал, тематика которого касалась только фотоизображения и его эстетики, игнорируя все другие темы, и рассматривая художественную фотографию как международное явление. Выходил в Берлине, с 1897 по 1908 год. Фотографии на его страницах часто ностальгичны. Пейзажи и жанровые сцены демонстрируют сентиментальные изображения современной жизни. В то же время, портретные фотографии часто представляют собой попытку связать зрителя с личностью изображаемого субъекта, что, в определенной степени, демонстрирует разрыв с традиционными условностями фотографической портретной живописи. Вместо того, чтобы подчеркнуть буквальное сходство, эти фотографии обращаются к эмоциональному аспекту, часто изображая портретируемого в тени и с опущенными глазами.

Редактором и издателем журнала был Франц Герке, фотограф-любитель, родившийся в 1856 году в Кенигсберге. Будучи активным участником основанной им в 1889 году Ассоциации Свободных Фотографов (Free Photographic Association), Герке курировал «эстетическую часть» многочисленных фотографических выставок, связанных с его клубом, включая важную Международную выставку любительской фотографии (в Рейхстаге, 1896), а также выставок Королевской академии искусств в Берлине, в 1902 и 1905 гг.

За годы издания, в журнале были опубликованы работы 278 фотографов со всего мира. Трудно отрицать, что «Die Kunst in der Photographie» имел огромное значение в развитии фотографии. К сожалению, важность «Die Kunst in der Photographie» часто игнорируется в англоязычных исследованиях по истории фотографии.

Gertrude Käsebier (1852 – 1934), американский фотограф-пикториалист.

Первоначально Гертруда хотела быть художником-портретистом. C 1889 по 1893 год она обучалась рисованию и живописи в Праттовском Институте. Фотографией она занималась самостоятельно, в качестве дополнения к основным занятиям живописью. В 1894 году Гертруда получила премию за лучшую фотографию от издания The Quarterly Illustrator. В том же году Гертруда отправляется в Европу с целью дальнейшего изучения живописи и фотографии. Будучи в Германии, Гертруда обучается у Германа Фогеля, опытного химика, с которым сотрудничал Стиглиц. Знакомство Стиглица и Гертруды Казебир стало новым этапом ее фотографической карьеры. Стиглиц активно продвигал работы Гертруды, публикуя их в "Camera Notes" и помогая ей с организацией выставок, одна из которых прошла в клубе Camera Work. Вскоре Гертруда стновится членом этого клуба.

В 1898 году Гертруда организовала портретную студию в Нью-Йорке.

Вместе со Стиглицем и Штайхеном она стала организатором Photo-Secession в 1902 году.

Активная фотографическая карьера Гертруды охватывала менее двух десятилетий, с конца 1890-х по середину 1910-х годов, но масштабы ее работы широки: от портрета и пейзажа до жанра и аллегории. В ее замечательных портретах представлены фотографы и художники, в том числе Стиглиц и Штейхен, Адольф де Майер, Роберт Анри и Огюст Родэн.

Эмиль Иоахим Констант Пуйо (1857-1933) – крупнейший представитель французской школы пикториализма. Около 1890 года началось его увлечение фотографией, поначалу, в качестве любителя, но уже в 1894 году Пуйо присоединяется к Photo-Club de Paris, основателями которого были Робер Демаши и Морис Букет. Парижский Фотоклуб, созданый в 1888 году, ставил своей целью пропаганду эстетики изобразительного искусства.

Женщины, позирующие с цветами или в окружении идиллических ландшафтов, были излюбленной темой пикториалистов, стремившихся воплотить женский идеал в своих работах. Женские образы, созданные Константом Пуйо, отличаются тонким лиризмом и подчеркнутым изяществом исполнения.

Фотографии Пуйо публиковались в таких солидных изданиях, как «Die Kunst in der Photographie». Чтобы сделать фотографии менее резкими, Пуйо широко использовал рассеянный свет; он разрабатывал мягкорисующие объективы и модифицировал процессы печати в целях создания живописных эффектов. Пуйо - автор ряда статей, опубликованных в Бюллетене Парижского Фотоклуба. Констант Пуйо был одним из учредителей первого фотосалона, работа которого основывалась на эстетических принципах Парижского Фотоклуба. Перу Пуйо принадлежит несколько книг по искусству фотографии и фотографической печати. В течение продолжительного времени Констант Пуйо был активным участником Société Française de Photographie и Brotherhood of the Linked Ring, международной организации фотографов, находящейся в Лондоне.

С началом Первой мировой войны, когда Робер Демаши оставил фотографию, Пуйо оставался наиболее заметным участником Парижского Фото-Клуба, даже в то время, когда влияние и очарование пикториализма в глазах фотографов начали ослабевать.

Фундаментальный супрематизм - определение массового явления архитектурного искусства общественного характера.

«Некоторые говорят, что он фанатик, эксцентричный,

другие настаивают на том, что он один из редких фотографов,

у которых есть идеи, которые будут продолжаться.

Такое противоречие не должно нас удивлять,

оно всегда ассоциировалось с теми,

чьи имена стали известными в литературе и искусстве ...»

- Кирилл Менард

Родившийся в богатой торговой семье в Лилле, Пьер Дубрюй (1872-1944) был заметной фигурой в европейских пикториалистических кругах. Многие из его соратников-пикториалистов предпочитали пасторальные или аллегорические сюжеты, Дубрюй же был проникнут эрой машин.

Он считается одним из ранних модернистов, снимавшим, с неожиданной перспективой, городской пейзаж. Крупные планы машин - символ современной эпохи, одна из тем творчества фотографа. В своих работах и высказываниях Дубрюй неизменно подчеркивал дизайн и идею, а не содержание. «Каждая работа должна быть выражением идеи [...] Это никогда нельзя оставлять на волю случая ... Я планирую почти все мои работы заранее».

На его творчество, как полагают, оказывали большое влияние кубизм, футуризм и сюрреализм.

В 1932 году Пьер Дубрюй стал президентом Association Belge de Photographie (Бельгийская фотографическая ассоциация), а венцом его карьеры стал 1935 год, когда фотограф был удостоен ретроспективы в Королевском фотографическом обществе в Лондоне.

После смерти, в 1944 году, работы фотографа были в значительной степени забыты. Интерес к его творчеству был возрожден Томом Джейкобсоном, фотографом из Сан-Диего, коллекционером и дилером, который искал сохранившиеся фотографии Дубрюя в Европе.

Собранные Джейкобсоном фотографии послужили основой выставки работ Дубрюя, организованной Центром Жоржа Помпиду в Париже (1988).

Нет истины важнее, чем нести свет в мир, погружённый во мраке невежества. Размышляя о принадлежности фотографии к виду искусства, вспомнилось недавнее утверждение, мол: "Живопись мертва!". Ко всему прочему высказывание прозвучало от человека, имеющего к этому вопросу непосредственное отношение. Так что же получается... Мы пришли к тупику? Это от нехватки гения в рядах сеятелей искусства?

Кто за это будет нести ответственность? И кому суждено быть нашим "пророком" художественной истины, медленно утопающей в липкой смоле посредственности?